Da appena si mette piede in sala è già chiarissimo che siamo nella Danimarca nella quale si svolgono le trame dell’Amleto. Grazie alla nebbia che pervade l’ambiente, infatti, già dal setting lo spettatore è portato a immedesimarsi nella storia delle storie. Perché l’Amleto è probabilmente davvero questo, e se il testo di William Shakespeare ha uno spessore talmente iconico forse dipende anche dal fatto che viene rappresentato incessantemente da oltre quattro secoli. E probabilmente lo spessore è dovuto anche all’aura di immortalità che la tragedia veicola, dovuta a una ricezione del testo talmente forte da renderla intrinsecamente propria della cultura occidentale. Ma l’accenno a un certo protagonismo non è casuale, se è proprio su questo che The Last Hamlet prova a riflettere, nel suo voler mettere a nudo la problematica «maschilista» e «misogina» dell’eroe shakespeariano, girandoci attorno e poi prendendola di petto. E se questi due aggettivi sono tra virgolette, è perché sono davvero stati pronunciati – in scena e nella vita vera – dalla regista Katie Mitchell durante un’intervista al Guardian nel 2016: intervista che viene riprodotta, da una radio al centro della scena, per dare inizio alla rappresentazione che vede Amleto (figlio) prendere la parola e difendersi da quelle accuse infamanti.
Dopodiché l’intero spettacolo si svolge in questa direzione. Amleto sin dall’istante in cui prende la parola analizza il suo vissuto e sviscera i rapporti che intrattiene (o ha intrattenuto) con i suoi affetti, chiedendosi, dopo il doloroso lutto di Amleto (padre) il senso di un’esistenza trascorsa nella più totale instabilità psicofisica. E il primo dato da rilevare è proprio questo, in The Last Hamlet: il ragionare sull’idea che davvero un classico senza tempo possa essere messo in discussione – in questo caso da delle istanze di genere –, e nel farlo adoperare un “ammodernamento” della forma, della struttura nella messa in scena. Ben Duke non è certamente nuovo a questo tipo di operazioni (vedi Juliet & Romeo, che già affrontava l’altro classico di Shakespeare) e prova quindi a dare voce al personaggio, interpretandolo; come se questo già annullasse le critiche di misoginia e masochismo che fuoriescono dalla radio in apertura (e che tormenteranno Amleto lungo tutta la visione). Perché la base agente che sottostà all’intero The Last Hamlet è già di per sé una mezza risposta al tentativo – anche legittimo, possiamo dirlo, in una prospettiva di un riequilibrio di genere, e soprattutto nel 2016 ovvero l'anno in cui Katie Mitchell rilascia l'intervista, nel pieno del più delirante wokism – di cancellare Amleto. La risposta: agire per sottrarre non finirà, nella pratica, che dare maggiore risalto.
C’è sicuramente, nell’approccio che Ben Duke mette in pratica, anche una possibile lettura lenticolare psicanalitica. Sta tutta nel tema del “rimosso” di cui poco sopra, che agisce su Amleto e che è ben visibile in scena tramite l’espediente delle scatole. Queste, infatti, compongono il muro che contiene i personaggi della tragedia e gli oggetti di scena, oltre a fungere da divisorio tra un prima e un dopo, o in altri casi tra un qui e un oltre. E mentre i personaggi che lo circondano, tutti peluche parlanti solo attraverso l’aiuto del pubblico (per dirne una, sua madre Gertrude sarà interpretata proprio da una spettatrice, che dovrà limitarsi a rispondere solo ed esclusivamente «no») sono altamente manipolati da Amleto, che bene o male ne fa quello che vuole, il protagonista farà certo più fatica ad opporsi alle uniche due figure in carne ed ossa presenti in scena; allo spettro di suo padre e alla sua ex Ofelia.
Se il primo ha una verve corporea e attitudinale ondeggiante, viene da pensare che sia perché non il corpo ma è lo spirito a fare visita al figlio, tormentandolo e spingendolo a compiere la vendetta su Claudio, che ha insinuato sua moglie e usurpato il suo posto in casa. Amleto (padre) è quindi una figura che sta sulla soglia tra il mondo dei viventi e quello dei morti, che ha rimosso l’attitudine terreste e che non riconosce il figlio perché la memoria è una roba dei vivi, e che forse dal teschio leonesco che porta sul capo non riesce a mettere in ordine nemmeno i pensieri e la memoria soggettivi.
Ofelia, dal canto suo, è davvero l’incarnazione dei nostri tempi, di una voce capace di attuare una riappropriazione nel testo e capace anche di smontarlo, per cambiare le sorti del suo destino. Quando viene il confronto tra Amleto e Ofelia (lui viene tacciato di un pietismo ossessivo e petulante), non ci si aspetterebbe un personaggio capace di prendere le redini della narrazione e letteralmente chiudere Amleto in una delle scatole; per metterlo da parte e prendere la parola. Ofelia, nel bellissimo ultimo segmento di The Last Hamlet, ricorda al pubblico il perché del suo disamoramento da Amleto; e in particolare gli rinfaccia di quei momenti, durante una festa, nei quali lui è stato assente, o troppo codardo da nuotare con lei in un fiume ghiacciato: momenti che vengono rievocati con l’utilizzo del muro di scatole e della suggestione evocativa della soglia. Ogni volta che si passa al di là, una camera a mano ci mostra quello che succede nell’oltre, proiettando le immagini sul muro. Sono espedienti furbi, che uniti alla commistione degli altri generi del discorso (la stand up, il monologo, la danza) e agli altri influssi tematici (il femminismo, la psicologia del personaggio, in alcuni brevi frangenti anche il postcolonialismo) rendono The Last Hamlet un discorso che merita di essere seguito e apprezzato, soprattutto per la creatività delle soluzioni che vengono escogitate e messe in atto, quando si tratta di fornire risposte di fronte a tale espressione di un mito. Quando, se mai accadrà, ci stancheremo di Amleto?
